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作為兩人巡迴展出的台灣場，收錄超過200幅《我我》攝影集中已發表及未發表、以《我我》時期為分界橫跨之前與之後的作品。這些照片作為夫妻生活的日常隨拍，在安達祐實的「我」和桑島智輝的「我」相互依存之下，毫無保留地揭示出親密的距離和深刻的情感。

「我試著用攝影解釋人生，但人生卻無法用攝影來解釋。」台灣攝影師黃俊團，集結了過往以來的黑白影像創作，發表《After All》攝影集。這些影像彷彿是隱匿於記憶深處的光影，孤離地徘徊於一個時代的皺摺之中。曾經注視著，如今卻消逝的凋殘回憶，透過影像裝載自身的生命片斷。

數億年的宇宙時序中，世界萬物自有規律，人類的存在彷彿滄海一粟。我們循著本能與想像，從四足爬行到雙腳站立，遊牧在無邊大地之上，當自然不再只是生存場域，得以容納一種生而為人的觀點，文明的軌跡就此開展。

隨著發展進程的加速，人類逐一實現理想中的未來圖景，卻也間接地支配著物種和生態，自然被化約為可分割的資源，以及無盡欲望的延伸。當人與自然的關係不斷演進，該如何從自然萬物中讀寫自身？人類的未來又將迎向何方？

回顧Aperture半世紀以來的出版品，他們大膽地直視著人類感知與社會脈動。藉由匯聚成冊的思想，見證著歷史的推進，擺盪於時代與時代之間，堆疊出一代代人們的精神延續。直至今日，Aperture仍不斷發掘新興攝影師，為其出版作品。這些攝影師們以各自的視角，融匯自身的文化背景，最終透過影像轉譯為人類的共同言語，訴說出一篇篇的美國故事。

中平卓馬，日本戰後重要攝影家兼評論家。從早年與主流媒體抗衡的攝影同人誌《PROVOKE》，推翻過往論點的首本評論集《なぜ、植物図鑑か》，喪失記憶後的復歸之作《新たなる凝視》，至晚年純粹靜物色彩的《Documentary》，中平不斷地從「原點」重新出發，從未放棄追尋作為攝影師的根本問題，叩問著影像和語言的關係性，隨著時代轉化下不斷質問著存在於認知與實踐中的攝影本質——攝影是什麼？為什麼是攝影？攝影能做到什麼？在面對新的現實之下，不斷拋棄過往的思維，並由此組成新的意識，進而回歸至攝影的原點。

這本書已經超過1,469天沒賣出去！結合書店店員的觀察筆記，以專業眼光選出注定賣不出去的50本書。堪稱反指標的指標書單，邊緣人的夢幻逸品，卻是書店老闆最頭痛的惡夢⋯⋯

東京地下鐵一天運量超過800萬人，作為遍佈這個巨大都市的動脈，地下鐵支撐著城市機能。泡沫經濟崩壞以來，日本持續陷於低迷之中，人們在看不見出口的街道上徬徨，有如漂流在名為東京的海。穿過混雜的人群，走下漫長的電扶梯，彷彿流進都市的底層深處。日本攝影師村上仁一將視野望向東京的人們，自學生時期起的20年間，邊搭乘地鐵邊拍攝照片，彷彿成癮一般未曾間斷。透過按下快門來面對自己，這些照片就如同不會再次翻閱的日記，然而如此平淡的行為卻也成為攝影師每日生活的唯一依靠。

身分，作為一種流動表述，終其一生過渡轉變。它不僅僅是單數存在，隨時間疊加延展，依背景脈絡更迭；然而它並非與生俱來，卻是建構於他人目光之下——「身分」的意識來自那些眼神重量，落入自身而漸漸形塑為認知，彷彿鏡面。我們一邊摸索，一腳跨進外頭已建築好的框架。

1972年，森山大道決定透過自己出版一系列小冊，試圖讓自身經歷與影像產生連結。不置入任何宣言，一冊16頁的規模，沒有固定主題，單純集結自身喜愛的作品，自己設計、自己編輯，連名字都取得很樸實——「記錄」。

「每一冊對我來說都是生存的證據，都是重要的一冊。『記錄』就像『電力、自來水、瓦斯』一樣，是所需之物。因為有『記錄』的存在，我才能一直精力充沛地面對每一天。」

以村上春樹《遠方的鼓聲》一書中土耳其古老民謠作為原點，日本攝影師濱田英明的最新作品「DISTANT DRUMS」， 藉由自己的攝影語言，緩緩敘述著自身內在以及風景間的距離。在「DISTANT DRUMS」中，濱田英明捕捉著細微的生活風景，也測量著自己與記憶的距離。這些影像中的風景不是熟悉的觀光勝地，也並非令人歎為觀止的夢幻絕景；取而代之，是那些我們打從心底懷念，彷如沈睡在記憶深處，那幕等待被想起的日常縫隙。

由紐約光圈基金會與巴黎攝影博覽會自2012年共同發起的巴黎攝影節—光圈攝影書獎，旨在彰顯攝影書對攝影發展的貢獻。針對每一年間出版的攝影書與其攝影內容，甄選並獎勵，推進著攝影書籍的進步。獎項共分為三大類：首本攝影書獎、年度攝影書獎與年度攝影目錄獎。至今已成為全球各藝術家、出版人、收藏家、設計與藝文愛好者最重視的書籍獎項之一。此次與 Paris Photo、Aperture 合作舉辦，首次將會後的巡迴書展移置台北舉行。

「對我而言，書不應是受限的，它是一個民主物品，能被大量印製，有著讓每一個人都能擁有的合宜價格。」

以書作為闡釋作品的載體，具體化呈現藝術家思維。座落於德國古老大學城哥廷根內，全世界最具代表性的藝術書籍出版社 Steidl，由出版人 Gerhard Steidl 創辦於 1968 年。數十年來，持續專注於突破書本原有的疆界，釋放藝術的漭漭無垠。無數的藝術家藉由 Steidl 對紙本敏銳的感知，將他們的作品更完整地、全面性地展現在世人面前。

2011年第34回寫真新世紀受賞作品「Girl」，於2012年出版成冊，成為日本攝影師奧山由之的個人首部攝影集。歷經七年的光陰，奧山由之蛻變成為當今日本攝影、雜誌與時尚領域中最具注目的攝影師。而最初作品《Girl》時過七年重新於2019年復刊！伴隨復刊的出版，2012年曾經於涉谷藝廊展示的「Girl」系列作品也將同步移至台北展出。

認為相機是紀錄的機器，屏除決定性瞬間的主觀性，同時避開浪漫的敘事線。Takashi Homma的影像之間經常避免任何情感的託付，藉由拉開與被攝者之間的距離，捕捉著客觀景色。作品時而無法感受到拍攝者的存在，消弭「自我」後的影像呈現一種近乎平庸、甚至乏味的冷調。疏離感的表現之下完美地展現出有別於以往的既定框架，為日本攝影帶來新潮流，更跳脫出攝影表現的新維度。

佐內正史，日本90年代攝影新潮流中最具代表性的攝影師之一。1968年生於靜岡縣。24歲開始拍照，1995年獲Canon寫真新世紀優秀獎。1997年由青幻舍出版的首本攝影集《生きている（活著）》，震撼了日本攝影界，被譽為象徵90年代日本的經典之作。其後更藉由2002年自費出版的《MAP》獲得第28回木村伊兵衛賞。

1970年代，一群新興的攝影家們開創性地擁抱色彩，積極探索彩色攝影的可能，挑戰當時以黑白攝影為主導的藝術領域。1976年於紐約MoMA舉行的展覽「Photographs by William Eggleston」則是將彩色攝影的優劣爭論推向巔峰。這場展覽由MoMA攝影部總監John Szarkowski一手策劃，展出了75幅作品。隨著展覽巨大成功的契機下，該時空成為攝影史上重要分水嶺，引領著彩色攝影步入當代藝術之範疇。

被廣泛認為是戰後世界攝影一個主要成就的《Provoke（挑釁）》雜誌，創刊於1968年，該雜誌以「為了思想的挑釁式資料」為副標表達了核心態度。擺脫舊往的寫實主義，試圖將過去以來認為是「記錄真實」的攝影技法擾亂，形成一個打破僵化的新媒體。他們認為，個人情感的主觀表述並不應侷限在既有的美學框架之下；而是越於其上，即使是一個影像斷片仍可觸發思想、表達意念。憑藉粗糙高反差粒子、失焦、晃動的攝影手法探索攝影各種可能，以激烈高亢的手段發聲，藉由對話與攝影來宣達對於社會的批判。

渺茫的日常光陰，家庭圓缺與歲月交替，完滿或缺憾；這些時而可見時而不可見的光影，流淌於時光之中。攝影師們透過影像紀錄一瞬的情感，儲存著對於生命與自然的緬懷之情，在此凝結。「赤々舎」，彷彿赤紅的光芒，為這些苦澀又或甜蜜的記憶建立起時光通道，藉由編輯成冊的攝影書籍，喚起著曾經消逝的光景，牽起既遙遠又熟悉的記憶痕跡。

出版在此，有機而不具規則。MACK 以經驗每一件攝影作品本身的直覺，為作家與藝術家捏塑另一種可見亦不可見的形狀，藉由創辦人 Michael Mack 早期於藝廊的工作經驗，以策展角度為藝術家、作家、攝影師編制一套論述。在工作室裡，有一方空間讓藝術家和設計師一起進駐工作，進行密集討論數日後，又各自消失。「我們給事情時間。」Michael Mack 說。MACK 讓創作者與藝術家對自身的作品進行不間斷的提問。攝影制書，從來不是「照片大一點」、「字拿掉一些」；MACK 要作者帶著這些質疑，把作品領往更遙遠的地方。