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日本攝影師尾仲浩二的影像時常吐露日常與隨性，然而細細解讀，卻能發現這些看似隨意的瞬間恰巧抓住了我們對於過往的關鍵回憶，它取代了索然無味的庸俗，散發出愜意自在的快活。一抹微風所吹拂過的清透，一個悠閒午後的幽閒深謐，透過鏡頭，尾仲將悠悠自得的舒暢帶進了影像之中，展現截然不同的特質。

作為兩人巡迴展出的台灣場，收錄超過200幅《我我》攝影集中已發表及未發表、以《我我》時期為分界橫跨之前與之後的作品。這些照片作為夫妻生活的日常隨拍，在安達祐實的「我」和桑島智輝的「我」相互依存之下，毫無保留地揭示出親密的距離和深刻的情感。

「我試著用攝影解釋人生，但人生卻無法用攝影來解釋。」台灣攝影師黃俊團，集結了過往以來的黑白影像創作，發表《After All》攝影集。這些影像彷彿是隱匿於記憶深處的光影，孤離地徘徊於一個時代的皺摺之中。曾經注視著，如今卻消逝的凋殘回憶，透過影像裝載自身的生命片斷。

數億年的宇宙時序中，世界萬物自有規律，人類的存在彷彿滄海一粟。我們循著本能與想像，從四足爬行到雙腳站立，遊牧在無邊大地之上，當自然不再只是生存場域，得以容納一種生而為人的觀點，文明的軌跡就此開展。

隨著發展進程的加速，人類逐一實現理想中的未來圖景，卻也間接地支配著物種和生態，自然被化約為可分割的資源，以及無盡欲望的延伸。當人與自然的關係不斷演進，該如何從自然萬物中讀寫自身？人類的未來又將迎向何方？

回顧Aperture半世紀以來的出版品，他們大膽地直視著人類感知與社會脈動。藉由匯聚成冊的思想，見證著歷史的推進，擺盪於時代與時代之間，堆疊出一代代人們的精神延續。直至今日，Aperture仍不斷發掘新興攝影師，為其出版作品。這些攝影師們以各自的視角，融匯自身的文化背景，最終透過影像轉譯為人類的共同言語，訴說出一篇篇的美國故事。

中平卓馬，日本戰後重要攝影家兼評論家。從早年與主流媒體抗衡的攝影同人誌《PROVOKE》，推翻過往論點的首本評論集《なぜ、植物図鑑か》，喪失記憶後的復歸之作《新たなる凝視》，至晚年純粹靜物色彩的《Documentary》，中平不斷地從「原點」重新出發，從未放棄追尋作為攝影師的根本問題，叩問著影像和語言的關係性，隨著時代轉化下不斷質問著存在於認知與實踐中的攝影本質——攝影是什麼？為什麼是攝影？攝影能做到什麼？在面對新的現實之下，不斷拋棄過往的思維，並由此組成新的意識，進而回歸至攝影的原點。

這本書已經超過1,469天沒賣出去！結合書店店員的觀察筆記，以專業眼光選出注定賣不出去的50本書。堪稱反指標的指標書單，邊緣人的夢幻逸品，卻是書店老闆最頭痛的惡夢⋯⋯

東京地下鐵一天運量超過800萬人，作為遍佈這個巨大都市的動脈，地下鐵支撐著城市機能。泡沫經濟崩壞以來，日本持續陷於低迷之中，人們在看不見出口的街道上徬徨，有如漂流在名為東京的海。穿過混雜的人群，走下漫長的電扶梯，彷彿流進都市的底層深處。日本攝影師村上仁一將視野望向東京的人們，自學生時期起的20年間，邊搭乘地鐵邊拍攝照片，彷彿成癮一般未曾間斷。透過按下快門來面對自己，這些照片就如同不會再次翻閱的日記，然而如此平淡的行為卻也成為攝影師每日生活的唯一依靠。

An identity, malleable in essence, transforms continually throughout a person’s life. More than a singular entity, it takes shape into context through the fabric of time. Rather than a part of human nature, it is a social construction built under the scrutiny of others. Our acknowledgment of an identity deepens as it forms beneath pressing gazes. As we explore its complexity in our minds, we step into a framework already set out in the world.

1972年，森山大道決定透過自己出版一系列小冊，試圖讓自身經歷與影像產生連結。不置入任何宣言，一冊16頁的規模，沒有固定主題，單純集結自身喜愛的作品，自己設計、自己編輯，連名字都取得很樸實——「記錄」。

「每一冊對我來說都是生存的證據，都是重要的一冊。『記錄』就像『電力、自來水、瓦斯』一樣，是所需之物。因為有『記錄』的存在，我才能一直精力充沛地面對每一天。」

以村上春樹《遠方的鼓聲》一書中土耳其古老民謠作為原點，日本攝影師濱田英明的最新作品「DISTANT DRUMS」， 藉由自己的攝影語言，緩緩敘述著自身內在以及風景間的距離。在「DISTANT DRUMS」中，濱田英明捕捉著細微的生活風景，也測量著自己與記憶的距離。這些影像中的風景不是熟悉的觀光勝地，也並非令人歎為觀止的夢幻絕景；取而代之，是那些我們打從心底懷念，彷如沈睡在記憶深處，那幕等待被想起的日常縫隙。

由紐約光圈基金會與巴黎攝影博覽會自2012年共同發起的巴黎攝影節—光圈攝影書獎，旨在彰顯攝影書對攝影發展的貢獻。針對每一年間出版的攝影書與其攝影內容，甄選並獎勵，推進著攝影書籍的進步。獎項共分為三大類：首本攝影書獎、年度攝影書獎與年度攝影目錄獎。至今已成為全球各藝術家、出版人、收藏家、設計與藝文愛好者最重視的書籍獎項之一。此次與 Paris Photo、Aperture 合作舉辦，首次將會後的巡迴書展移置台北舉行。

「對我而言，書不應是受限的，它是一個民主物品，能被大量印製，有著讓每一個人都能擁有的合宜價格。」

以書作為闡釋作品的載體，具體化呈現藝術家思維。座落於德國古老大學城哥廷根內，全世界最具代表性的藝術書籍出版社 Steidl，由出版人 Gerhard Steidl 創辦於 1968 年。數十年來，持續專注於突破書本原有的疆界，釋放藝術的漭漭無垠。無數的藝術家藉由 Steidl 對紙本敏銳的感知，將他們的作品更完整地、全面性地展現在世人面前。

2011年第34回寫真新世紀受賞作品「Girl」，於2012年出版成冊，成為日本攝影師奧山由之的個人首部攝影集。歷經七年的光陰，奧山由之蛻變成為當今日本攝影、雜誌與時尚領域中最具注目的攝影師。而最初作品《Girl》時過七年重新於2019年復刊！伴隨復刊的出版，2012年曾經於涉谷藝廊展示的「Girl」系列作品也將同步移至台北展出。

認為相機是紀錄的機器，屏除決定性瞬間的主觀性，同時避開浪漫的敘事線。Takashi Homma的影像之間經常避免任何情感的託付，藉由拉開與被攝者之間的距離，捕捉著客觀景色。作品時而無法感受到拍攝者的存在，消弭「自我」後的影像呈現一種近乎平庸、甚至乏味的冷調。疏離感的表現之下完美地展現出有別於以往的既定框架，為日本攝影帶來新潮流，更跳脫出攝影表現的新維度。

佐內正史，日本90年代攝影新潮流中最具代表性的攝影師之一。1968年生於靜岡縣。24歲開始拍照，1995年獲Canon寫真新世紀優秀獎。1997年由青幻舍出版的首本攝影集《生きている（活著）》，震撼了日本攝影界，被譽為象徵90年代日本的經典之作。其後更藉由2002年自費出版的《MAP》獲得第28回木村伊兵衛賞。

1970年代，一群新興的攝影家們開創性地擁抱色彩，積極探索彩色攝影的可能，挑戰當時以黑白攝影為主導的藝術領域。1976年於紐約MoMA舉行的展覽「Photographs by William Eggleston」則是將彩色攝影的優劣爭論推向巔峰。這場展覽由MoMA攝影部總監John Szarkowski一手策劃，展出了75幅作品。隨著展覽巨大成功的契機下，該時空成為攝影史上重要分水嶺，引領著彩色攝影步入當代藝術之範疇。

被廣泛認為是戰後世界攝影一個主要成就的《Provoke（挑釁）》雜誌，創刊於1968年，該雜誌以「為了思想的挑釁式資料」為副標表達了核心態度。擺脫舊往的寫實主義，試圖將過去以來認為是「記錄真實」的攝影技法擾亂，形成一個打破僵化的新媒體。他們認為，個人情感的主觀表述並不應侷限在既有的美學框架之下；而是越於其上，即使是一個影像斷片仍可觸發思想、表達意念。憑藉粗糙高反差粒子、失焦、晃動的攝影手法探索攝影各種可能，以激烈高亢的手段發聲，藉由對話與攝影來宣達對於社會的批判。

渺茫的日常光陰，家庭圓缺與歲月交替，完滿或缺憾；這些時而可見時而不可見的光影，流淌於時光之中。攝影師們透過影像紀錄一瞬的情感，儲存著對於生命與自然的緬懷之情，在此凝結。「赤々舎」，彷彿赤紅的光芒，為這些苦澀又或甜蜜的記憶建立起時光通道，藉由編輯成冊的攝影書籍，喚起著曾經消逝的光景，牽起既遙遠又熟悉的記憶痕跡。

出版在此，有機而不具規則。MACK 以經驗每一件攝影作品本身的直覺，為作家與藝術家捏塑另一種可見亦不可見的形狀，藉由創辦人 Michael Mack 早期於藝廊的工作經驗，以策展角度為藝術家、作家、攝影師編制一套論述。在工作室裡，有一方空間讓藝術家和設計師一起進駐工作，進行密集討論數日後，又各自消失。「我們給事情時間。」Michael Mack 說。MACK 讓創作者與藝術家對自身的作品進行不間斷的提問。攝影制書，從來不是「照片大一點」、「字拿掉一些」；MACK 要作者帶著這些質疑，把作品領往更遙遠的地方。